sábado, 4 de junio de 2011

"X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN": La saga vuelve por la puerta grande

Matthew Vaughn le produjo a Guy Ritchie las que probablemente sean sus mejores películas hasta la fecha: “Lock and Stock” y “Snatch: cerdos y diamantes”. Pero pronto a Vaughn le picaría el gusanillo de dirigir y probó suerte debutando con una opera prima excelente: “Layer Cake: crimen organizado”, una de gangsters a caballo entre Tarantino y, sobre todo, Scorsese. Tras ésta se metió en vericuetos fabulísticos con una irregular pero meritoria “Stardust”, y volvió a dar en la diana con “Kick-Ass”, una genial gamberrada friki con la que me ganó definitivamente.
Ahora Vaughn por fin se hace cargo de la franquicia de los X-Men. Y digo por fin, porque a punto estuvo de hacerlo en la anterior entrega de la saga, por indicación expresa de Bryan Singer (autor de las dos excelentes primeras partes). Pero “La decisión final”, que así se llamó el filme, definitivamente, lo perpetraría el siempre mediocre Brett Ratner, cuya único y aislado mérito hasta hoy es haber sido productor ejecutivo de la (pese a ello) estupenda serie de TV “Prison Break”.
Pero no me enredo y vuelvo a los X-Men. La cuarta parte de la patrulla de mutantes lleva por título “Primera Generación” y, como decía antes, la ha realizado Matthew Vaughn y es, en realidad, es una precuela. Nos lleva a cómo empezó todo. A cómo nació la amistad, finalmente tornada en rivalidad, entre Charles Xavier y Magneto, allá en los años 60, con los Kennedy en la Casa Blanca y la crisis de los misiles de Cuba como telón de fondo.
Para la ocasión Vaughn nos propone un thriller de aventuras comiqueras invadido por los elementos clásicos de las películas de James Bond y las claves de propias de la saga de los X-Men (con guiños a las anteriores entregas cinematográficas, con cameos de Hugh Jackman y Rebbeca Romijn Stamos incluidos).
Llegados a este punto, he de confesar que lo que más me gusta de Vaughn es su sentido del espectáculo y el ritmo agilísimo que imprime a sus trabajos. Y éste es claro ejemplo. Las más allá de dos horas en las que se desarrolla el metraje pasan en un chasquear de dedos, gracias a un perfecto maridaje de planificación fílmica, montaje y audacia visual, además, claro está del apoyo en un libreto en el que ha metido mano Bryan Singer (también productor ejecutivo del filme) y se nota.
Por otra parte, y esto también me parece clave, “X-Men: Primera Generación” carece de otra ambición que no sea la de hacer disfrutar al espectador de un rato de saludable evasión. Opción la más correcta, habida cuenta además del evidente recorte de presupuesto sufrido respecto a entregas previas que se nota comparativamente, sobre todo en los efectos visuales.  Sin embargo, de un lado, la inventiva visual de Vaughn (patente en escenas tan logradas como la primera conversión de Bestia) sabe resolver sin que se eche en falta lo que el dinero no pudo pagar; y, por otro lado, el propio aire, como indicaba, nada pretencioso del filme hace que este defecto, muy al contrario, dote a la película de un halo camp supongo que no buscado pero delicioso.  
No obstante, hay que decir que la ambientación en los 60, años que disfrutan de un alabado revival gracias la exitosa serie “Mad Men” (de la que también aquí hay algo), es no obstante tan resultona como atractivo es descubrir, en aquellos convulsos años, el origen de los personajes y el porqué de sus posiciones en un futuro natural y lógicamente enfrentadas.
Celebro pues, en resumen, la vuelta por sus fueros de una saga que, desde que Singer abandonara la silla de director, no había tenido un título a la altura de las circunstancias. Como también celebro la definitiva llegada para quedarse de un estupendo actor, Michael Fassbender (descubierto para muchos en “Malditos Bastardos”), que dota a Magneto de una dignidad, psicología y verismo a la altura de la que en su día le confiriese Sir Ian McKellen.

By Harry Callahan
8/10
TÍTULO ORIGINAL: “X-Men: First Class”
ESCUCHA ESTA CRÍTICA EN PODCAST: http://blip.tv/file/get/Harrycallahan-XMENPRIMERAGENERACION532.mp3 
DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt1270798/
SOBRE LA MÚSICA DEL PODCAST: http://ccmixter.org/files/hisboyelroy/1536

sábado, 28 de mayo de 2011

SUPER 8: J. J. Abrams revela los secretos de su nueva película


En el verano de 1979, un grupo de jovenes de un pequeño pueblo de Ohio son testigos de un choque de trenes catastrófico mientras rodaban una película en super 8. Cuando comienzan una serie de desapariciones irregulares y eventos inexplicables, los chicos sospechan que no fue un accidente y el jefe de policía intentará descubrir la verdad.


Dirigida por J.J. Abrams y producida por Steven Spielberg, Abrams y Bryan Burk.

La película está protagonizada por Elle Fanning, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, Basson Gabriel, Courtney Joel, Lee Ryan, Zach Mills y Amanda Michalka.


Sentado en su oficina de Santa Mónica a finales de la semana pasada, J.J. Abrams era la viva imagen de un cineasta atormentado. Durante meses, había guardado en secreto todos los detalles acerca de su próxima película, pero ahora, en contra de todos sus instintos, el guionista y director sabía que era el momento de revelar los secretos de 'Súper 8', o al menos algunos de ellos.


“Es la primera vez que hablo de la película con alguien que no esté trabajando en ella”, dice Abrams, nervioso, a propósito del estreno de la misma el 10 de junio, el tercer largometraje que dirige tras los grandes éxitos de 'Star Trek' y 'Misión: Imposible III'. Abrams, coautor de la serie de televisión de ABC 'Perdidos', preferiría guardar silencio hasta la noche del estreno, pero él y el productor Steven Spielberg han visto la apretada agenda de estrenos de este verano y están demasiado comprometidos con 'Súper 8' como para dejar que se pierda entre la multitud.

J.J. Abrams en el set de "Super 8"

Ninguna otra película para este verano ha sido mantenida tan en secreto como 'Súper 8' (lo único que se sabe de ella proviene de un teaser trailer del año pasado donde se veía el descarrilamiento de una locomotora y a una especie de bestia poderosa escapándose de un vagón militar), y Abrams lo prefiere así. 'Monstruoso', la película de monstruos con un nivel de secretismo parecido, fue producida por Abrams, junto con su socio Bryan Burk.

Sin embargo, el estreno el domingo de un anuncio de 30 segundos de 'Súper 8' durante la final de la Súper Bowl significó el principio de la vida pública de la película, que Abrams preferiría mantener escondida en su sótano durante algunos meses más.

“Creo que lo único que tiene que saber la gente es que es una película de aventuras acerca de un pequeño pueblo y que es graciosa, tierna y terrorífica, y que hay un misterio. ¿Qué es esa cosa que se ha escapado? ¿Cuáles son las ramificaciones de su presencia? ¿Y cuál es su efecto en la gente? Pero ya sé que eso no es suficiente. Mira, creo que necesitamos un poco de jolgorio público porque nos enfrentamos a grandes sagas y marcas, y la mayoría de la gente no sabe qué es 'Súper 8'. Somos una excepción total en un verano con enormes películas... y no queremos ser tan discretos o tímidos que a la gente no le importe o no oiga hablar de ella”.

Así que, señoras y señores, con todos ustedes, 'Súper 8', una película de ciencia-ficción que cuenta con la sensación de monstruo-a-la-fuga de 'Fringe' (otra serie de televisión de la que Abrams es coautor) o 'Expediente X', así como con un espíritu nostálgico que evoca en muchos sentidos a 'E.T.', 'Cuenta conmigo' e incluso a 'Los Goonies'. Todas esas películas son las de la época del cine de palomitas de los años ochenta que más influyeron en la sensibilidad de Abrams, que tiene 44 años, y el título de la película tiene una relación de identificación parecida.


'Súper 8' toma su nombre del formato cinematográfico de Eastman Kodak que se convirtió en un fenómeno entre los cineastas amateurs a finales de los años sesenta y representó un ritual de iniciación para varias generaciones de directores en ciernes, entre ellos Spielberg y Abrams. La película de Paramount Pictures está ambientada en Ohio en 1979,  y presenta a un grupo de 6 jóvenes que están utilizando una cámara se Súper 8 para hacer una película de zombies. Una noche aciaga, su proyecto les lleva a un paraje rural solitario con raíles de tren y, mientras la cámara rueda, sucede la tragedia: un camión choca con una locomotora que se aproximaba, y un descarrilamiento infernal llena la noche de chirridos metálicos y chorros de fuego. Entonces, algo surge de entre la chatarra, algo decididamente inhumano.

Durante la Super Bowl, el mundo verá un poco de 'Súper 8', con un anuncio de imágenes en rápida sucesión que muestran las caras de los jóvenes, el pueblo y las texturas añejas de una película en la que hay muchos episodios en plan cápsula del tiempo (entre ellos un momento cumbre que le disputará el título a 'Bocados de realidad' en la categoría de mejor uso de la canción 'My Sharona'). Esos son detalles que Abrams preferiría no desvelar, pero el jueves pasado autorizó a un visitante (el que suscribe) a ver unos 30 minutos de metraje de 'Súper 8', que incluían la destrucción especialmente brutal de una gasolinera y una desgarradora conversación entre un padre y su hijo. Durante la visita, también quedó claro que Abrams cree que tiene algo especial con esta película.

A medida que el proceso avanzaba, me di cuenta de que tenía el potencial de hacer mi clase de película favorita, que es del género más difícil de definir”, dice Abrams. “Por eso se podría decir, con razón, que es una película de ciencia-ficción, o también se podría decir, y también con razón, que es una historia de amor, o se podría decir, y con razón, que es una comedia, o se podría decir, y también con razón, que es un espectáculo de efectos especiales. Esa clase de cóctel es algo que me encanta en las películas... y así es como empezó a tomar forma esta película”.

La película comenzó como dos proyectos distintos que terminaron por fundirse debido a sus deficiencias individuales. El primero era una historia no fantástica acerca de un grupo de jóvenes y de la forma en la que ven el mundo y se ven unos a otros a través del visor de su cámara de Súper 8. Abrams le fue a Spielberg con esa vaga idea y decidieron seguir profundizando, pero una serie de reuniones que tuvieron con los mejores guionistas de Los Ángeles terminaron con una mezcla de indiferencia y consternación. Dice Abrams: “Ahí no había gran cosa, y era frustrante porque no avanzaba en mi cabeza... no podía decir de qué iba la historia. Sabía los personajes, sabía las situaciones, sabía que había temas sobre las clases sociales y una historia de amor en su núcleo, y que sería una película sobre el paso a la madurez. Muchos de los escritores se mostraron indiferentes”.

Mientras tanto, Paramount había comprado una idea aparte de Abrams para una película de terror acerca de la investigación en 1971 del Área 51 y de cómo las autoridades gubernamentales, preocupadas, decidieron que la mejor manera de proteger las posesiones secretas de la cada vez más famosa base militar era enviándolas a otros lugares en trenes nocturnos, uno de los cuales nunca llegó a su destino. Con este proyecto, Abrams tenía “un punto de partida bastante bueno, pero no tenía ningún personaje del que hablar... así que estaba en posesión de dos mitades, y después de seis meses o así se me ocurrió juntarlas”.

El enfoque híbrido le llamó inmediatamente la atención a Spielberg. Le dijo a Abrams que durante años había intentado encontrar una película que hablase de la pena concreta producida por el divorcio, y que finalmente la encontró tomando la insólita decisión de mezclarla con una historia de ciencia-ficción. El resultado fue 'E.T.', que tenía naves espaciales pero que era también la historia de una familia monoparental y de la pérdida de los lazos y el hogar, tanto para los humanos como para los alienígenas. 'Súper 8' tiene un enfoque similar de la pena. La película empieza con una muerte por accidente en una fábrica que tiene mucho que ver con el mundo real.

“Es una película que trata acerca de superar la pérdida y volver a encontrar tu camino, a encontrar tu propia voz”, dice Abrams. “Un chico que ha perdido a su madre y un hombre que ha perdido a su mujer. Y ahí está ese padre que, debido a la mentalidad de la época, nunca tuvo que ejercer realmente de padre. Es un buen hombre, muy trabajador, es concejal del ayuntamiento, pero nunca ha destacado como padre”.

El hecho de que la historia girase en torno a media docena de personajes jóvenes planteó grandes retos una vez que las cámaras empezaron a rodar. Spielberg tuvo un papel crucial en el proceso de casting, y Abrams también le pidió consejo a su viejo amigo Matt Reeves (que acababa de trabajar con un reparto de niños en 'Déjame entrar'), así como a Rob Reiner, quien reunió a un reparto inmortal de jóvenes al juntar en pantalla a River Phoenix, Will Wheaton, Keifer Sutherland y Corey Feldman en 'Cuenta conmigo'. Sin embargo, ni todos los consejos del mundo podrían haber preparado del todo a Abrams para la “prueba de fuego” del plató.

“Era un poco como hacer de padre a la hora de lidiar con este grupo”, dice Abrams. “Todos eran increíblemente diferentes y fue simplemente fabuloso trabajar con ellos. Dos de los chicos principales nunca antes habían estado en un plató... tengo que confesar que los dos primeros días yo estaba horrorizado. Sin embargo, tardaron solo 48 horas en pasar de auténticos neófitos a hacerlo muy bien. Fue increíble verlo, y si para mí fue terrorífico, no me puedo ni imaginar lo que debió ser para ellos”.


Entre las escenas que mostró Abrams, había una en la que la actriz de 12 años Elle Fanning está actuando en la película-dentro-de-la-película con sus jóvenes compañeros y provoca tantas emociones que los otros chicos se quedan estupefactos, con una mezcla de vértigo e impresión. Es una escena especialmente conmovedora, y Abrams dice que la oriunda de Georgia era una presencia preternatural en el reparto. “Elle nació para hacer esto”, dice Abrams, “y está sencillamente sobrecogedora con su sofisticación y sabiduría”.

Abrams habló de muchas más cosas (por ejemplo, del reto de crear un alienígena conmovedor que sedujera al público), pero fue más bien off the record o para otro día. El anuncio de la Super Bowl hará mucho para poner a 'Súper 8' en el radar de los cinéfilos, pero el director se muestra reticente a desvelar nada más que lo que aparece en pantalla.  Mientras colegas contemporáneos suyos como Jon Favreau, director de 'Iron Man', se acercan a sus fans, con blogueros y periodistas cubriendo todo el proceso de realización para tener una visión totalmente transparente, Abrams echa de menos la época de 1979 en la que las películas tenían mucha más mística.

“Nunca he hecho Twitter”, dice Abrams, un hombre que tiene un reproductor de casetes en su coche y está a punto de estrenar una película llamada 'Súper 8' en la era de los iPhones. Todo ello, sumado a un verano de dura competencia en las taquillas, se suma a la preocupación por el tiempo y el momento.

“Tenemos un reto muy grande con esta película”, dice Abrams. “Sí, contamos con el nombre de Steven y mi nombre (si es que el mío vale algo), pero no tenemos a ningún superhéroe famoso, no tenemos ninguna saga o precuela preexistente, ni la protagoniza nadie de quien se haya oído hablar. No hay libro, ni juguete, ni cómic. No hay nada. No tengo nada, ni siquiera tengo un juego de mesa, así está la cosa de mal. Pero creo que tenemos una película muy buena”.
Los Angeles Times

Super 8, se estrena en cines el 19 de Agosto.

"SIN IDENTIDAD (2011)": Un artesano de géneros llamado Collet-Serra

Jaume Collet-Serra, el director de esta “Sin identidad”, llamó mi atención con “La huérfana”. Un filme de terror de género, en el que este catalán americanizado se tomaba su trabajo con tremenda inteligencia; proponiendo un brillante juego con los topicazos y las reglas de esta clase de películas. Al final, quedaba la sensación de un producto exprimido por su realizador para demostrar lo que valía.
Tras el moderado éxito de aquella “La huérfana”, quizás lo fácil hubiera sido apostar por acomodarse en el terror, en el que parecía moverse con soltura. No obstante ello, confesaba el propio Collet-Serra que lo que le apetece es, con cada filme nuevo probarse a sí mismo y demostrar que es capaz de hincarle el diente a otros géneros y ser igualmente resolutivo.
Es por ello que ahora nos propone una de suspense y acción. Sus referentes son obvios, desde el Hitchcock de “El hombre que sabía demasiado” o “Con la muerte en los talones”, hasta “El fugitivo” o “Frenético” de Polanski, o el más obvio, la saga de Jason Bourne. Sin embargo, nuevamente es llamativo su modo de contar y poner en escena la historia, y su manera de situar la cámara y montar las secuencias (estupenda, por ejemplo, la del accidente). Todo ello se traduce en un ejercicio de género, nuevamente, de sobrada profesionalidad, artesanía e intención.
Así pues, y pese a no ser una cinta redonda, pues una vez descubierto el porqué del asunto, el desenlace es complaciente, comercial y de lo más concesivo; si que el planteamiento y nudo del filme me dejan con ganas de ver de qué sería capaz este tipo con más pasta y un libreto también más original.

By Harry Callahan

7/10

Título original: “Unknown”

sábado, 26 de marzo de 2011

"EN EL CENTRO DE LA TORMENTA": Un Tavernier irregular pero clásico

Supongo que ser detective de homicidios en un pueblo de la profunda Luisiana hace que acabes alcohólico y conviviendo con viejos fantasmas que nunca terminan de marcharse. Esto le pasa al personaje del siempre eficaz Tommy Lee Jones que, aferrado al trabajo policial, sobrevive a su conciencia y a los hechos de un pasado que no acaba de ahogarse en las ciénagas y pantanos que rodean New Iberia.
Con este presupuesto existencial y apoyado en la novela negra de James Lee Burke, el galo Bertrand Tavernier realiza un filme de encargo con la profesionalidad que se le presupone, proponiendo al espectador una de género detectivesco clásico, en la estela, de “La Noche se mueve” de Arthur Penn, “Con el agua al cuello” de Rosenberg, o cualquiera de los thrillers policíacos maduros de Clint Eastwood. De hecho, el propio Eastwood perfectamente podía haber rodado y protagonizado esta cinta, que pareciera estar hecha muy a su medida.
No obstante, la película no alcanza la categoría de las citadas, pero como digo, Tavernier, muy apartado, eso si, de los presupuestos de su filmografía más reciente, cumple artesanalmente en terrenos que no le son extraños, pues en su dilatada carrera ha tenido ocasiones de aproximarse al sur yanqui en filmes como el interesante documental “Mississippi Blues”.
Con todo, más que una película en la que importe la trama, que presenta demasiadas disgresiones y una resolución no del todo inspirada, lo más jugoso quizás sea la fauna de personajes que lucen tan decrépitos como los abandonados edificios arrasados por el Katrina, que se nos muestran en un momento de la cinta. Individuos todos descendidos a los infiernos, que cohabitan en apocalípticos manglares en los que campan por sus respetos los caimanes más taimados y en los que tener conciencia o moral puede resultar más que insalubre.

By Harry Callahan

7/10

ESCUCHA ESTA CRÍTICA EN PODCAST: http://blip.tv/file/get/Harrycallahan-EnElCentroDeLaTormentaInTheElectricMist451.mp3
SOBRE LA MÚSICA DEL PODCAST: http://ccmixter.org/files/unreal_dm/31048

sábado, 12 de marzo de 2011

"DESTINO OCULTO": Entretenimiento romántico sin ínfulas

Confieso que no he leído el relato de Philip K. Dick en el que basa este “Destino Oculto”. Pero me aventuro a afirmar que poco del existencialista espíritu del escritor de Chicago debe quedar en esta cinta, más allá de gravitar su argumento sobre el asunto del libre albedrío y la capacidad de decidir el destino propio, lugares tradicionalmente comunes en la narrativa del autor de “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”.

Y es que el debut en la silla de director de George Nolfi resulta ser una amalgama de intenciones, cuajadas con irregular resultado, consistiendo a la postre la película en un híbrido de cinta romántica y thriller fantástico, que no consigue éxito rotundo en ninguno de los dos campos, pese a lograr, justo es reconocerlo, entretener en buena parte de su metraje.

Así las cosas, la virtud de “Destino oculto” quizás esté en la ausencia de pretensiones del conjunto, que no mal juega a caer en trascendentalidades, como ocurría en “City of Angels”, sino que apuesta por el divertimento naif a lo “Serendipity”. Por citar dos posibles referentes. Me quedo con eso, con el score de Thomas Newman y con las excepcionales postales de imprescindiblemente cinematográfica Nueva York.

Tremendo favor, pues, el que le ha hecho Matt Damon a su amigo Nolfi, guionista de algún Bourne y de “Ocean´s Twelve”, al encabezar el reparto de esta cinta, que no duda en echarse a su espalda y dotarla del sobre atractivo propio de un actor que siempre tiene gancho para el espectador.
 
By Harry Callahan

6/10

sábado, 5 de marzo de 2011

"EL DISCURSO DEL REY", un filme de época "muy british"


Hay años en los que un actor "maldice" estar nominado al oscar. Sencillamente, porque no cuentas en las quinielas, o peor aún, porque todos reconocen tu inmenso trabajo pero… hay otro nominado, con un papel quizás más agradecido, en el que todos se fijan. Y, además, no hay que ser acaparador, ya te llevaste el oscar en una ocasión y este chico, el favorito, no lo ha ganado nunca.
Así que por muy productor ejecutivo que seas del filme triunfador de los oscar de ese año, te quedarás con esa cara que se les queda a todos los que como tú ven que la dorada estatuilla se escurre de sus manos para ir a parar a las de otro. Habrá que esperar a mejor ocasión, si es que vuelven a nominarte…
Supongo que todo esto pasaba por la cabeza del bueno de Geoffrey Rush, el pasado 27 de febrero, cuando un pletórico Christian Bale agradecía su cantado triunfo desde el escenario del Kodak Theatre de Los Ángeles.
Y es que, es cierto, Rush está nuevamente aquí de oscar, en su impecable rol de Lionel Logue, el muy particular terapeuta que logro hacer hablar a un rey. Pero como decía antes, Geoffrey, tú ya tienes oscar por “Shine” y este era el año de Bale, que, indiscutiblemente, es lo mejor y casi único potable de la muy sobrevalorada y bastante aburrida “The Fighter” (junto a la también muy lucida Melissa Leo).
En lo demás, “El discurso del Rey” tenía todos los boletos para arrasar aún más de lo conseguido en los oscar. Su historia poseía el atractivo indiscutible que para los americanos tienen las historias de superación personal. Además, es una de esas cintas británicas por las que la Academia siente debilidad de cuando en cuando. Ya ocurrió en su día con “Regreso a Howard´s End”, “Un hombre para la eternidad” o “Hamlet”. Quizás por esa admiración que Hollywood profesa por el perfeccionismo artístico irreprochable de los productos que vienen overseas, de la que un día fuera Metrópoli.
Y es que cuando los ingleses se ponen a hacer cine de época, amigo mío, son francamente únicos, y yo diría que imbatibles. Además en este caso, destacaría el hecho de que incluso el habitual defecto de este tipo de cintas, su indolente frialdad y pausada narrativa, son superados notablemente, gracias en parte a la trabazón de un guión que hace evolucionar la historia sin caer en la monotonía clásica de los relatos biográficos. Y, por supuesto, gracias igualmente a la colosal interpretación de un plantel actoral en estado de gracia. Comenzando por Rush, siguiendo por Helena Bonham Carter y terminando, claro está, con Colin Firth, que huye de sus tics habituales para adquirir los propios de su personaje de un modo ejemplarmente mimético, nunca cargante ni excesivo. ¡¡¡Trabajo, no obstante, que el público americano no podrá valorar en su medida porque, ojo, se han censurado escenas en las que el personaje de Firth espeta tacos como trucos para hablar, para lograr una calificación que permitiese verla al mayor público posible¡¡¡. La censura moralista y los Wenstein (distribuidores del filme) y su maravillosa tijera, viejos conocidos…
Los aspectos técnicos del filme son, igualmente, acreedores de alabanzas. Todas las facetas de la producción, el diseño de la misma, vestuario, dirección artística, etc… están inspiradísimas y… por supuesto, la magistral fotografía de un Danny Cohen que consigue situarnos, mediante imágenes nada rancias, en el preciso punto de vista, necesariamente subjetivo, de un individuo superado por unas circunstancias que le envuelven y aturden, como la niebla invade prodigiosamente un puñado de escenas denotativamente simbólicas.
Y todo ello, Tom Hooper sabe hilvanarlo con el inspirado hacer demostrado en trabajos suyos previos como “Damme United” o la miniserie de televisión “John Adams”, siendo legítimo acreedor del logrado premio oscar, por encima de contendientes tan rotundos como David Fincher o mi favorito, el visionario Darren Aronofsky.

By Harry Callahan

NOTA: 8,5/10


ESCUCHA ESTA CRÍTICA + EXTRAS EN PODCAST: http://blip.tv/file/get/Harrycallahan-ELDISCURSODELREYTHEKINGSSPEECH832.mp3 

TÍTULO ORIGINAL: “The King´s Speech”
OSCAR: 4 (actor principal, director, película y guión original)

EL ORIGINAL DISCURSO DEL REY PUEDE ESCUCHARSE EN SPOTIFY: King George VI – Speech from Buckingham Palace to the People on the Outbreak of War
SOBRE LA MÚSICA USADA EN EL PODCAST: http://www.liberliber.it/audioteca/b/beethoven/index.htm

domingo, 20 de febrero de 2011

"VALOR DE LEY (True Grit)", cinéfilo homenaje a un género clásico


Los hermanos Coen son unos grandes cinéfilos, amantes de los géneros clásicos. Por eso, cuando deciden homenajearlos, les salen unas películas sencillamente fantásticas. Es el caso, por ejemplo, de “Muerte entre las flores” con el cine negro de gangsters, o de este remake de “True Grit”, con el western. Y es que, desde el excepcional arranque de la cinta, con la voz en off de la protagonista sobre las imágenes que progresivamente van componiendo la causa que desencadena el argumento; hasta el lacónico, seco y profundamente amargo epílogo, el filme rezuma admiración por un género de géneros, que lo fue todo y que ahora parece estar maldito.
“True Grit” es una apoximación a la mítica del western, desde una óptica similar a la acometida por Clint Eastwood en “Sin Perdón”, o Kevin Costner en “Open Range”, por citar algunas revisitaciones admirativas de las películas del Oeste. Porque, ni siquiera el verismo que se pretende, al atacar escenas de la ruda vida cotidiana de aquellos tiempos (como las del ahorcamiento, o la visita al funerario); el humor muy Coen que salpimienta el metraje; o el tono crepuscular que invade la propia composición del personaje de Bridges (y los de su casta, que terminan en un circo que emula lo que fue el far west), nos alejan de la verdadera intención de los Coen, que no es otra que remakear una del Oeste con todas las claves que definen esta clase de cintas. Películas en las canónicamente debe haber aventura, honor, justicia, valor, soledad, camaradería, venganza y la recreación de un modo de vida y de la mística de unos personajes icónicos que forjaron el genuino carácter americano.
Obvio es decir a estas altura que Bridges esta impagable, y que la desconocida niña protagonista (no sé porque está nominada al oscar como secundaria), está como su partenair, de premio gordo. Sin embargo, la dorada estatuilla ganada por los Coen hace una par de años con “No es país para viejos”, y la de Bridges de la pasada edición por “Crazy Heart”, unidos como decía a lo injustamente maldito que está considerado, hoy por hoy, el western, muy probablemente den al traste con la cosecha de galardones de que debería ser acreedora este estupendo ejercicio de gran cine de género.

By Harry Callahan

NOTA: 8/10

PODCAST DE ESTA CRÍTICA: http://blip.tv/file/get/Harrycallahan-VALORDELEYTRUEGRIT2010620.mp3 (más sobre la música del podcast, pincha aquí)


TÍTULO ORIGINAL: "True Grit"
WEB OFICIAL: http://www.truegritmovie.com/
TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-145213/trailer-19173310/
DATOS ADICIONALES:http://www.imdb.com/title/tt1403865/

domingo, 6 de febrero de 2011

NOMINACIONES A LOS OSCAR: "127 HORAS", la inventiva visual de Danny Boyle

(Spoiler en este párrafo) En pocas palabras, “127 horas” va de un tipo que sufre un infortunado accidente mientras practicaba cañonismo. A resultas de ello su brazo queda atrapado por una roca, en una grieta, en medio de una zona desértica en Utah, cerca de Moab. No estoy contando nada que no adelante su tráiler promocional, uno de esos que lo avanzan casi todo y algo más. De desvelar lo poco que queda por saber se ha encargado la campaña promocional del filme y las fotos del estreno, en la que aparece el auténtico Aron Ralston, protagonista de la historia, luciendo una prótesis articulada en su brazo derecho.
Así las cosas, me pregunté qué diablos me tenía que contar el bueno de Danny Boyle a lo largo de los 94 minutos que dura el metraje de la cinta, para mantener mi atención en una historia de la que conocía pelos y señales. Pues bien, debí responderme de inmediato que si hay algo que caracteriza la filmografía del realizador inglés es su inventiva visual, demostrada de sobras en títulos como “Trainspotting” o “Slumdog Millionaire”. Su habilidad para imaginar planos tomados desde puntos de vistas inusuales o lo certero de su posterior trabajo en la sala de montaje, convierten sus películas en todo un festín visual que redondea de manera afinadísima con una siempre potente selección musical.
Y es precisamente eso lo que hace que esta historia, que perfectamente podía haber sido pasto de un "estrenos tv" basado en hechos reales, quede elevada de categoría haciendo justo homenaje a la peripecia y gesta de supervivencia acometida por el tal Aron Ralston, al que encarna con brillantez un James Franco que responde al tour de forcé impuesto por su rol protagónico con un notable alto digno de la nominación al oscar conseguida.
Un reto claustrofóbico pues, de planteamientos más que conocidos por el espectador que, como ocurría con su pariente cercana “Buried”, la labor del autor-director convierte la experiencia en todo menos previsible.

By Harry Callahan

NOTA: 7/10

TÍTULO ORIGINAL: “127 hours”

sábado, 5 de febrero de 2011

ESTRENO: "PRIMOS" una comedia que se ve con una sonrisa en la mente

“Primos” es una de esas películas que se ve con una sonrisa en la cara… y en la mente. Y si bien muchos se apresurarán a apuntar que la historia no es original, a ello habría necesariamente de replicarse que es cierto, pero no lo es menos que está francamente bien contada y escrita. Daniel Sánchez Arévalo demuestra una vez más qué estupendo guionista y director es. Guionista, porque su libreto no tiene tiempos muertos, momentos inútiles o redundancias innecesarias. Tiene la extensión en papel y fotogramas que debe. Además, sus frases son tan naturales como brillantes en su espontaneidad.
Y es un extraordinario director, porque da al conjunto una frescura y dinamismo que sabe a distinto. Toma riesgos (como bien nos tiene acostumbrados en su filmografía) en su forma de planificar y poner en imágenes lo que ha imaginado; y, por otro lado, sabe sacar de los actores sus mejores y nunca impostados registros. En este último aspecto, hay que decir que el casting actoral está sencillamente espléndido, con los tres primos a cual mejor, destacando sobremanera el trabajo de Quim Gutierrez que se evidencia y reivindica a voz en alto como imprescindible actor de toda comedia inteligente que se precie.
Todo ello se palpa desde el ingeniosísimo arranque hasta el perfecto epílogo, ya en los títulos de crédito finales, con un afinadísimo dialogo mímico. Qué más se puede pedir de una comedia romántica que exuda frescura, inventiva, emoción y sencillez, que no simpleza; todo ello con el nada banal objetivo alcanzado de hacer pasar una más que entretenidísima sesión de cine. Bien por la primera comedia en mucho tiempo que no nos toma deliberadamente por primos.

By Harry Callahan

NOTA: 7,5/10

TÍTULO ORIGINAL: “Primos”

CORTO ORIGEN DE LA PELÍCULA: http://www.youtube.com/watch?v=RvqWdXpO9C4

domingo, 23 de enero de 2011

SERIES: "WALKING DEAD": Algo más que una de zombies...

No soy amante de la casquería, ni siquiera en el cocido, de manera que cuando tuve que hincarle el diente a “Walking Dead”, me reconozco que, al igual que los protagonistas, iba con la escopeta bien cargada. Pensé que me enfrentaría a un corre que te pillo lleno de sustos salpicado por altas raciones de gore. Sin embargo, he de reconocer que, no sólo me equivoqué, sino que me he ventilado la muy corta primera season en un pis pas. Y es que, evidentemente, hay zombies, sangre y regodeo en los detalles violentos, pero además hay una historia, psicología y conflicto de personajes, y un modo de mezclar y contarlo todo que engancha.
Obvias son las influencias apocalípticas recientes de “28 días después”, “La carretera” o de la mismísima serie “Perdidos”, por citar las más palmarias, pero el conjunto tiene un empaque y una personalidad más que reseñables para ser un producto concebido para la pequeña pantalla, lo que justifica sus magníficos resultados de audiencia pese al subgénero en el que se engloba. Un acierto pues más de la cadena AMC que, a la chita callando, va haciéndose un hueco en el voraz mercado televisivo USA.
Respecto a los seis capítulos de que consta la primera temporada, sin duda alguna me quedo con el piloto, dirigido por Frank Darabont, que además es el alma mater del proyecto. Un arranque de saga perfecto en su narrativa y puesta en imágenes, que te deja pegado al sillón. El resto del conjunto, no consigue igualar el tempo y la impronta del realizador de “Cadena Perpetua”, pero conserva el espíritu y las señas por éste imprimidas, de suerte que uno se sorprende a sí mismo devorándose con incontinencia, cual un “walker” más, esta primera season. La segunda entrega está previsto que llegue en verano, hasta entonces habrá que conformarse con las novelas gráficas de Robert Kirkman y Tony Moore en que se basa la serie, que tienen una más que apetitosa pinta.

By Harry Callahan


NOTA: 8/10


TÍTULO ORIGINAL: “Walking Dead”


sábado, 22 de enero de 2011

ESTRENO: "MAS ALLA DE LA VIDA", un Eastwood mas alla del guión

Supongo que me hubiera tragado una hora más de “Mas alla de la vida” si a Clint Eastwood le hubiese apetecido seguir contando más, y no porque argumentalmente el filme se quede corto (creo que dura lo que necesita durar), sino porque me embeleso viendo como filma este tipo. Definitivamente, Eastwood es uno de los más clásicos realizadores del panorama actual. Su planificación de secuencias, modo de fotografiar, dirigir a los actores…, en suma, de poner una historia en imágenes, así lo acredita, recordándonos a maestros como John Ford, William A. Wellman o John Huston, además de los Siegel y Leone que le formaron como un eficaz artesano, capaz de despachar rodajes con sorprendente simpleza y prontitud.
Pese a todo ello, lo llamativo es que, el que un día fuera Harry El Sucio, parece tocar bien todos los palos, pues también es capaz de hacer que sus películas sean espectaculares y que en ellas aparezcan secuencias como la impresionante del Tsunami que principia este filme, con el envidiable modo en que montaje y efectos especiales se unen para seguir vibrantes la peripecia que sufre una de las protagonistas al ser arrastrada por las olas tierra adentro.
Y digo todo esto, porque, yendo al meollo de esta Shamalaniana “Mas alla de la vida”, lo cierto es que la labor de dirección está muy por encima de la historia escrita por Peter Morgan (“The Queen”), que en sí misma considerada, carece del interés necesario, cuenta poca cosa, es predecible y presenta más de un tópico. Es precisamente la labor de Eastwood la que insufla la qualite necesaria para sacar de este mediocre material, escenas y momentos brillantes e incluso emotivos.
No obstante, hay que decir que este trabajo del realizador de San Francisco pasa a engrosar el catálogo de filmes personales, un tanto sui generis, a los que pertenecen títulos como “Cazador blanco, corazón negro” o “Medianoche en el Jardín del Bien y del Mal”. Filmes desiguales, de no siempre obvias intenciones, por los que su realizador parece sentir una atracción no siempre compartida, pero que son acometidos con verdadera curiosidad y ánimo de ampliar horizontes y registros, lo cual no es baladí en un cineasta que ya pasa de los ochenta.

By Harry Callahan

NOTA: 6,5/10

TÍTULO ORIGINAL: “Hereafter”

viernes, 21 de enero de 2011

EN CARTEL: "TAMBIÉN LA LLUVIA", perfecto maridaje Bollain - Laverty

Era cuestión de tiempo que la relación, en todos los sentidos, que une a Iciar Bollain y Paul Laverty pariese un filme de la enjundia de “También la lluvia” (perfecto título). Así, Bollain, autora de cintas tan intencionadas como “Flores de otro mundo” o “Te doy mis ojos”; y Laverty (pareja en la vida real de Itziar) guionista de cabecera del siempre militante (en el mejor sentido) Ken Loach, unen su creatividad, arrojo y uso del cine como herramienta de cambio social, para dar a luz un título complejo, equilibrado y brillante.
Complejo, en primer lugar, pues no resulta fácil hacer el petate y montar una producción de la calidad de la que hablamos nada menos que en Cochabamba (Bolivia), escenario, por otro lado, tan natural como imprescindible para dar sentido y poder a lo que se cuenta en la cinta. En este sentido, dignas de elogio son, por ejemplo, todas las muy meritorias secuencias del levantamiento popular; e imponentes y muy simbólicas son imágenes como la del helicóptero trasladando la cruz.
Complejo también, porque es cine dentro del cine, este último además histórico, y porque aglutina diversos hilos argumentales, que se trenzan e imbrican en un juego de paralelismos, para nada obvios ni maniqueos, sino justamente reales. Es poderosa la película de época y el modo en que Bollain nos la exhibe (como la vería un espectador ya en cines). Es riquísimo en matices todo lo que tiene que ver con la peripecia del rodaje, leit motiv del filme, y de quienes lo acometen y participan. Y es valiosa, en cuanto a testimonio que quedará, la aproximación cuasidocumental al conflicto social por el agua.
La suerte o la magia, es que a pesar de todo ello, la película resulta estar sostenida por un logrado equilibrio, pues pese a todos los ambiciosos retos que afronta, consigue un balance envidiable. ¿Cuál es el secreto? De un lado, un guión perfectamente armado, con una arquitectura narrativa más que notable, que simbiotiza las historias haciéndolas depender indisolublemente unas de las otras; y una dirección en estado de gracia, de esas que pocas veces consigue un realizador, que imprime una impronta de naturalidad y sencillez que hace ver fácil lo que en realidad es muy difícil.
Y, finalmente, “También la lluvia” es brillante, porque no cae en la trampa de pisar los pantanosos terrenos de lo panfletario. Porqué reparte estopa para todos los que, de un modo u otro, queriendo y sin querer, fueron y son Colones, sin caer en sectarismos ni obviedades buenistas. Y, es brillante, porque nos descubre a tipos tan auténticos como Juan Carlos Aduviri, justamente nominado al Goya a actor revelación; y nos regala interpretaciones tan inmensas como las de Karra Elejalde al que no logra hacer sombra ni el siempre perfecto Luis Tosar.

By Harry Callahan


NOTA: 8,5/10


TÍTULO ORIGINAL: “También la lluvia”



sábado, 15 de enero de 2011

NUEVA SALA EN 3D EN LA PROVINCIA DE CÁDIZ

Desde MAGNUM 44 felicitamos con entusiasmo a la cadena exhibidora Ábaco-CineBox y a los responsables de la misma en San Fernando (Cádiz) por la apertura de una sala dotada con la tecnología necesaria para la proyección de filmes en 3 DIMENSIONES.
Tuve la oportunidad de testarla con la proyección de "The Green Hornet", y el hecho de ser la última incorporación a la nómina de cines que proyectan en 3D le hace disfrutar de una tecnología de proyección avanzada más que envidiable y una calidad de imagen perfecta, además de poner a disposición del espectador unas gafas para el visionado francamente ligeras y cómodas. Por todo ello, una vez más, enhorabuena.

domingo, 9 de enero de 2011

"CISNE NEGRO (Black Swan)", en alas de la... locura

La anterior cinta de Darren Aronofski (“El Luchador”) y este “Black Swan” tienen innegables paralelismos. El principal de ellos, de formulación. En ambas asistimos a la cotidianeidad de unos sujetos dedicados vitalmente a su ocupación (lucha libre/danza). Les seguimos pseudo-documentalmente en su día a día y experimentamos con ellos sus miserias, anhelos y su caminar sin posibilidad de retorno. Además, el peso de las dos películas gravita sobre el actor/actriz protagonista, de cuyas interpretaciones el realizador exprime hasta la última gota de talento, resultando en ambos casos roles protagónicos destinados a cosechar premios a espuertas.

No obstante, existen matices diferenciadores entre ambas propuestas. Si en “El luchador” se apostaba por un retrato dramático costumbrista, sin más ambages ni ínfulas, en esta nueva propuesta del realizador de Brooklyn, transitamos por una senda hitchcockiana (las referencias a “Vértigo” o “Psicosis” son ineludibles) que por momentos toma desvíos al género de terror o hacia el thriller psicológico, componiendo un filme tan arriesgado como hipnótico, dotado de una personalidad indiscutible. Y todo ello (parafraseando al personaje de Vincen Cassel) en la enésima revisión argumental de la historia de “El lago de los cisnes”, pero más visceral y, claro está, real.

Hablaba antes de interpretaciones. En este asunto es justo reincidir en la Portman que compone, sin dudas, el mejor papel de cuantos lleva acometidos hasta la fecha. Suena a tópico pero la noche del 27 de febrero la estatuilla del tío Oscar debe estar en sus manos. Es francamente difícil encontrar rostros que soporten y venzan con tanta inspiración la inmisericorde presencia que la cámara tiene en los muchísimos primeros planos del metraje del filme. Suya es la película y las múltiples sensaciones que nos transmite la enfermiza psicología de su rol. Además, y como ya ocurriera con Rourke y su pasado boxístico, los años de ballet que la actriz curso en su infancia y el severísimo entreno al que se sometió para este papel, la convierten en una inobjetable mujer orquesta a la que resulta imposible poner mácula.

En resumidas cuentas, una muy sensual, absorbente y, a priori, descolocante propuesta, salvada con sobresaliente por actriz y realizador, que nos empujan a una montaña rusa de inquietantes sensaciones que se embudan hasta el paroxismo de su climax final. Una rara avis de visionado imprescindible para cisnes negros y amantes de los juegos de espejos, los cristales oscuros y las deconstrucciones de mitos clásicos.


By Harry Callahan


NOTA: 8/10

ESCUCHA ESTA CRÍTICA EN PODCAST: http://blip.tv/file/get/Harrycallahan-CISNENEGROBLACKSWAN646.mp3

FECHA DE ESTRENO PREVISTA: 18/02/2011